Arte contemporáneo
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El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este periodo.
En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp (fuente 1917) y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.
Tabla de contenidos[ocultar]
1 Antecedentes, Modernidad (Siglo XVIII)
2 Postmodernidad (Siglo XIX)
2.1 Entre los siglos XIX y XX
3 Arte contemporáneo (Siglo XX)
3.1 Primera mitad del siglo XX
3.2 Segunda mitad del siglo XX
3.3 La crisis del objeto artístico
4 Museos
5 Centros de Arte Contemporáneo
6 Movimientos Artísticos
7 Artistas destacados
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Antecedentes, Modernidad (Siglo XVIII)
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El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este periodo.
En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüistico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp (fuente 1917) y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.
Tabla de contenidos[ocultar]
1 Antecedentes, Modernidad (Siglo XVIII)
2 Postmodernidad (Siglo XIX)
2.1 Entre los siglos XIX y XX
3 Arte contemporáneo (Siglo XX)
3.1 Primera mitad del siglo XX
3.2 Segunda mitad del siglo XX
3.3 La crisis del objeto artístico
4 Museos
5 Centros de Arte Contemporáneo
6 Movimientos Artísticos
7 Artistas destacados
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Antecedentes, Modernidad (Siglo XVIII)
Romanticismo
Artículo principal: Romanticismo
El Quitasol (1777) Francisco de Goya
Fue un movimiento artístico, que luego de la Revolución Francesa, ocurren cambios culturales, sociales y políticos que se van a reflejar en el siglo XIX. Los movimientos anteriores del neoclasicismo y el rococó, dieron como consecuencia al Movimiento romántico, que seguiría con el Realismo y posteriormente el Modernismo. La Revolución Industrial en el siglo XIX, generará un cambio significativo en la industria, las máquinas, y el inicio del desarrollo de la nueva tecnología o tecnología moderna, incluyendo los avances en las ciencias. Después de que el neoclacisismo surga como consecuencia al barroco y al rococó; el romanticismo viene a ser la siguiente tendencia, y antecede e influye al movimiento moderno. En el movimiento romántico por primera vez se comienza a desligar en las artes de las formas clásicas, y el artista comienza a liberarse de las normas y modelos artísticos, que continúan con el realismo, y luego se rompen los esquemas con el movimiento moderno o modernismo, El hombre romántico busca liberarse de los modelos clásicos anteriores, lograr un arte más espontáneo, comenzar a cambiar la forma de trabajar el arte, y verse en su interior.
Véase también: Categoría:Pintores del Romanticismo
Realismo
Artículo principal: Realismo
Der Neuenburger See(1875), Gustave Courbet
Fue un movimiento artístico surgido en conjunto y en oposición al romanticismo, por lo que el realismo se niega a las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y busca representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Tuvo influencias en las artes surgido el movimiento del capitalismo y la industrialización con el desarrollo de la industria moderna en Inglaterra. Mientras los románticos tenían una forma poética del arte, los realistas se acercaban a la realidad. Courbet fue el máximo representante del Realismo. El Realismo sirvió de base al movimiento artístico del Impresionismo, que tanto en pintura, escultura y arquitectura como movimiento; fue el más importante de los tiempos modernos.
Véase también: Categoría:Pintores del Realismo
Postmodernidad (Siglo XIX) Impresionismo
Claude Monet - Branch of the Seine near Giverny
Still Life with Gloves and Pine Branch, Vincent Van Gogh
Entre los siglos XIX y XX
Artículo principal: Romanticismo
El Quitasol (1777) Francisco de Goya
Fue un movimiento artístico, que luego de la Revolución Francesa, ocurren cambios culturales, sociales y políticos que se van a reflejar en el siglo XIX. Los movimientos anteriores del neoclasicismo y el rococó, dieron como consecuencia al Movimiento romántico, que seguiría con el Realismo y posteriormente el Modernismo. La Revolución Industrial en el siglo XIX, generará un cambio significativo en la industria, las máquinas, y el inicio del desarrollo de la nueva tecnología o tecnología moderna, incluyendo los avances en las ciencias. Después de que el neoclacisismo surga como consecuencia al barroco y al rococó; el romanticismo viene a ser la siguiente tendencia, y antecede e influye al movimiento moderno. En el movimiento romántico por primera vez se comienza a desligar en las artes de las formas clásicas, y el artista comienza a liberarse de las normas y modelos artísticos, que continúan con el realismo, y luego se rompen los esquemas con el movimiento moderno o modernismo, El hombre romántico busca liberarse de los modelos clásicos anteriores, lograr un arte más espontáneo, comenzar a cambiar la forma de trabajar el arte, y verse en su interior.
Véase también: Categoría:Pintores del Romanticismo
Realismo
Artículo principal: Realismo
Der Neuenburger See(1875), Gustave Courbet
Fue un movimiento artístico surgido en conjunto y en oposición al romanticismo, por lo que el realismo se niega a las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y busca representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Tuvo influencias en las artes surgido el movimiento del capitalismo y la industrialización con el desarrollo de la industria moderna en Inglaterra. Mientras los románticos tenían una forma poética del arte, los realistas se acercaban a la realidad. Courbet fue el máximo representante del Realismo. El Realismo sirvió de base al movimiento artístico del Impresionismo, que tanto en pintura, escultura y arquitectura como movimiento; fue el más importante de los tiempos modernos.
Véase también: Categoría:Pintores del Realismo
Postmodernidad (Siglo XIX) Impresionismo
Claude Monet - Branch of the Seine near Giverny
Still Life with Gloves and Pine Branch, Vincent Van Gogh
Entre los siglos XIX y XX
Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista.
La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello que sea dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. Surge en la pintura lo que se ha llamado el ingenuismo, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso nada sorprende que haya interesado especialmente al pintor de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que también se quieren englobar dentro de la producción artística. Se penetra en zonas antes vedadas, como el subconsciente. Se desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y muchos artistas divagan sobre el problema de la generación (Miró). Existe por tanto, una notoria insatisfacción, y un inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se observa en las ciencias experimentales. Las artes figurativas podemos advertir dos tendencias contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte. Esta tendencia conservadora sigue respetando de la forma y la técnica como bases inmutables de la producción artística. Escultores como: Maillol, Bourdelle, Clará y otros tantos; y pintores como: Modigliani, son buenos testimonios. La otra tendencia busca la desintegración de la realidad, deseosa de una especie de liberación de la energía creadora del artista.
Los Simbolistas
Artículo principal: Simbolismo
Movimiento o grupo de artistas que surgen en oposición al Realismo, que considera que el arte debe ser una idea y una creación a partir de lo perceptivo y visual. Los simbolistas también se vinculan a la literatura y la filosofía. Se difundió en numerosas revistas, apoyada por la obra filosófica de Bergson, quien fue el portavoz de los simbolistas. Con Paul Gauguin, se ve el mundo exterior como lo siente el espectador. Se debía expresar una idea. Baudelavre inició una propuesta literaria llamada "correspondencia", que es la relación entre el alma y los que aprecian la naturaleza inanimada. Gauguin, Cézane, Van Gogh y Seurat, desarrollan y amplían el impresionismo, cambian y modifican hasta crear el postimpresionismo. El término postimpresionismo, fue utilizado por el crítico inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910.
Véase también: Categoría:Pintores simbolistas
Postimpresionismo
Arte contemporáneo (Siglo XX)
La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello que sea dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. Surge en la pintura lo que se ha llamado el ingenuismo, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso nada sorprende que haya interesado especialmente al pintor de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que también se quieren englobar dentro de la producción artística. Se penetra en zonas antes vedadas, como el subconsciente. Se desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y muchos artistas divagan sobre el problema de la generación (Miró). Existe por tanto, una notoria insatisfacción, y un inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se observa en las ciencias experimentales. Las artes figurativas podemos advertir dos tendencias contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte. Esta tendencia conservadora sigue respetando de la forma y la técnica como bases inmutables de la producción artística. Escultores como: Maillol, Bourdelle, Clará y otros tantos; y pintores como: Modigliani, son buenos testimonios. La otra tendencia busca la desintegración de la realidad, deseosa de una especie de liberación de la energía creadora del artista.
Los Simbolistas
Artículo principal: Simbolismo
Movimiento o grupo de artistas que surgen en oposición al Realismo, que considera que el arte debe ser una idea y una creación a partir de lo perceptivo y visual. Los simbolistas también se vinculan a la literatura y la filosofía. Se difundió en numerosas revistas, apoyada por la obra filosófica de Bergson, quien fue el portavoz de los simbolistas. Con Paul Gauguin, se ve el mundo exterior como lo siente el espectador. Se debía expresar una idea. Baudelavre inició una propuesta literaria llamada "correspondencia", que es la relación entre el alma y los que aprecian la naturaleza inanimada. Gauguin, Cézane, Van Gogh y Seurat, desarrollan y amplían el impresionismo, cambian y modifican hasta crear el postimpresionismo. El término postimpresionismo, fue utilizado por el crítico inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910.
Véase también: Categoría:Pintores simbolistas
Postimpresionismo
Arte contemporáneo (Siglo XX)
El arte en el siglo XX, la ruptura con los módulos tradicionales, es una de las características de la vida contemporánea. Los avances científicos han ofrecido al hombre unas enormes posibilidades para el desarrollo de su personalidad. El artista ha accedido a su completa libertad. La técnica dice al hombre, por un lado, que puede intentarlo todo; pero no sucede esto sin crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina. Vivimos en un mundo de repetición, que pese a su comodidad, produce un gran desassosiego. De ahí que el arte exprese la paradoja de nuestra vida. De un lado, la complacencia en un mundo tecnificado, que busca lo más barato y sencillo, y por otro, la insatisfacción del espíritu. Frente a la mecanización de la existencia, el hombre trata de escapar buscando la eterna irracionalidad del arte. La producción artística en nuestro siglo, ha cobrado una intensidad agobiante, sobre todo en el arte de la pintura. Todo se ha intentado, todo se ha hecho posible. Si se habla de una nueva arquitectura espacial, si es posible una ciudad subterránea, también la escultura se ha convertido en un objeto que se mueve, e igualmente la pintura y la misma escultura, confunden sus límites; hasta la misma música ha llegado a ser conjugada con las artes plásticas. Nunca ha habido un mayor poder asociativo entre las artes. Pero es evidente que esta libertad para inventar y crear, ofrecer también un arte "de mal gusto" (o arte degenerado). Esta es parte de la verdad que encierra un término de moda: el kitsch. Si el arte debe tener una finalidad trascendente, el kitsch representa la trivialidad, el capricho sin depurar.
Primera mitad del siglo XX
Las Raíces del Movimiento Moderno
La fecha de nacimiento del movimiento moderno se establece en la primera aparición publicada de los Fauves en el Salón de Otoño Parisino de 1905. En la primera década del siglo XX, la tecnología, ciertamente, realizaba rápidos progresos, pero aún estaba lejos de haber penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor parte de los europeos. Las terribles condiciones sociales que habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo precedente, como Dickens y Zola, subsistían en gran parte sin que se hubiera puesto remedio; al abismo entre las distintas clases de la sociedad que persistía en todos los países de Europa; En Estados Unidos, además, con el nacimiento de una nueva plutocracia -Los Astor, Los Vanderbilt, Los Guggenheim, Los Goluf- parecían incluso hacerse más amplio, mientras las enormes riquezas de un continente se iban acumulado en manos de unos cuantos privilegiados.
Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto de un grupo que, en relación con el resto del cuerpo social, era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia y la clase media acomodada y culta, su principal componente. Ciertos intentos, que existieron, de llevar al contacto con el público más amplio -de los que son ejemplos distintos, surgidos los dos en Londres, el Victoria and Albert Museum y la Whitechapel Art Gallery- debían su existencia a aquellos impulsos filantrópicos que fueron característicos del siglo XIX en la misma medida, al menos que lo fueron las injusticias sociales por otro lado. De modo significativo, la dirección de estas empresas estaban en manos de la clase media, y aunque los Fauve de 1905 eran verdaderas "bestias salvajes", como jocosamente los habían apodado los críticos de moda, no amenazaban más que la tranquilidad de un pequeño grupo social.
Expresionismo
Segunda mitad del siglo XX
En 1968 aparecería el artículo de Lucy Lippard y John Chandler, titulado "La desmaterialización del arte", en la Revista Art International. En el, aunque el propio titulo es ya por si significativo, se analizaba el proceso de transformación que vivía el arte contemporáneo. Los artistas habían intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del Arte efímero. Muchos de los artistas minimalista, como Morris, Smithson, Andre y otros emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras en escenarios naturales, el denominado Land Art, eran los nuevos campos de experimentación. De hecho, era una vía de escape al callejón sin salida en el que parecían debatirse las poéticas más formalistas. Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos, o si se quiere; de una nueva manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios: la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la Naturaleza, pasó a remplazar los lugares habituales del arte. Los valores que habían ido prevaleciendo a lo largo de los siglos, vinculados a los medios artísticos, como la armonía, los colores, la composición, la masa, etc., eran repudiados y afloraban otros basados en el valor por lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía... Los medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en si mismo desde el momento en que se eliminaba casi totalmente visivo-físico. A fines de los años sesenta, se habían dado algunas manifestaciones, en las que los nuevos comportamientos artísticos parecían exigir para el arte aquella libertad, que se reclamaba en los campus universitarios de Europa y valores establecidos, para llegar a un Estado integral, a un nuevo programa de vida y de intervención social. La misma disposición aparecía en distintos centros de Occidente con denominaciones diversas: Arte pobre, Land art, Arte conceptual, Anti-form, Process art, Earth works, Arte microemotivo, etc. Entre las primeras manifestaciones del Land Art, figuran la celebrada en la Dwan Gallery de Nueva York, en 1968, con el título de "Earth Works", y al año siguiente, la presentada en el White Museum de Ithaca, como "Earth Art". Con la exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en octubre de 1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte conceptual en su tendencia analítica, lírica y desmaterializada, a la que siguió "Op Losse Schereeven", en el Stedelijk Museum of Amsterdam, con la que se produjo el reconocimiento museístico y europeo del Arte Conceptual, el Land Art, el Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la exposición celebrada en el Museo Cívico de Turín, en 1970, denominada "Conceptual art/ Arte Povera/ Land Art", se llega a la consagración oficial de los nuevos comportamientos artísticos.
La crisis del objeto artístico
Museos
Fundación- Chirivella Soriano
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) (España)
Museo Nacional Benjamín Vicuña Mackenna (Chile)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España)
Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica)
Museo Tamayo Arte Contemporáneo (México)
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español (Valladolid, España)
MARCO Museo de Arte Contemporaneo (Monterrey Nuevo León; Mexico)
MAC Museo de arte contemporaneo (Santiago, Chile)
Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRo) ( Rosario, Argentina)
[[[Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca]] (Bahía Blanca, Buenos Aires (Argentina), Argentina)]http://mbamac.bahiablanca.gov.ar/
Centros de Arte Contemporáneo
Contrariamente a los museos, su objetivo no es la conservación ni la constitución de un patrimonio. Es decir su función no es coleccionar. Ellos realizan exposiciones o proyectos artísticos en función a su perfil editorial, teniendo como objetivo la difusión y la promoción del Arte contemporáneo.
Movimientos Artísticos
Expresionismo
Abstraccionismo
Cubismo
Surrealismo
Dadaismo
Futurismo
Vanguardismo
Artistas destacados
Picasso
Salvador Dalí
Wasili Kandinsky
Rene Magritte
Marcel Duchamp
Piet Mondrian
Erwin Wurm
Gabriel Orozco
Damien Hirst
Julian Schnabel
Rubén Grau
Tracey Emin
Primera mitad del siglo XX
Las Raíces del Movimiento Moderno
La fecha de nacimiento del movimiento moderno se establece en la primera aparición publicada de los Fauves en el Salón de Otoño Parisino de 1905. En la primera década del siglo XX, la tecnología, ciertamente, realizaba rápidos progresos, pero aún estaba lejos de haber penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor parte de los europeos. Las terribles condiciones sociales que habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo precedente, como Dickens y Zola, subsistían en gran parte sin que se hubiera puesto remedio; al abismo entre las distintas clases de la sociedad que persistía en todos los países de Europa; En Estados Unidos, además, con el nacimiento de una nueva plutocracia -Los Astor, Los Vanderbilt, Los Guggenheim, Los Goluf- parecían incluso hacerse más amplio, mientras las enormes riquezas de un continente se iban acumulado en manos de unos cuantos privilegiados.
Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto de un grupo que, en relación con el resto del cuerpo social, era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia y la clase media acomodada y culta, su principal componente. Ciertos intentos, que existieron, de llevar al contacto con el público más amplio -de los que son ejemplos distintos, surgidos los dos en Londres, el Victoria and Albert Museum y la Whitechapel Art Gallery- debían su existencia a aquellos impulsos filantrópicos que fueron característicos del siglo XIX en la misma medida, al menos que lo fueron las injusticias sociales por otro lado. De modo significativo, la dirección de estas empresas estaban en manos de la clase media, y aunque los Fauve de 1905 eran verdaderas "bestias salvajes", como jocosamente los habían apodado los críticos de moda, no amenazaban más que la tranquilidad de un pequeño grupo social.
Expresionismo
Segunda mitad del siglo XX
En 1968 aparecería el artículo de Lucy Lippard y John Chandler, titulado "La desmaterialización del arte", en la Revista Art International. En el, aunque el propio titulo es ya por si significativo, se analizaba el proceso de transformación que vivía el arte contemporáneo. Los artistas habían intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del Arte efímero. Muchos de los artistas minimalista, como Morris, Smithson, Andre y otros emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras en escenarios naturales, el denominado Land Art, eran los nuevos campos de experimentación. De hecho, era una vía de escape al callejón sin salida en el que parecían debatirse las poéticas más formalistas. Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos, o si se quiere; de una nueva manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios: la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la Naturaleza, pasó a remplazar los lugares habituales del arte. Los valores que habían ido prevaleciendo a lo largo de los siglos, vinculados a los medios artísticos, como la armonía, los colores, la composición, la masa, etc., eran repudiados y afloraban otros basados en el valor por lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía... Los medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en si mismo desde el momento en que se eliminaba casi totalmente visivo-físico. A fines de los años sesenta, se habían dado algunas manifestaciones, en las que los nuevos comportamientos artísticos parecían exigir para el arte aquella libertad, que se reclamaba en los campus universitarios de Europa y valores establecidos, para llegar a un Estado integral, a un nuevo programa de vida y de intervención social. La misma disposición aparecía en distintos centros de Occidente con denominaciones diversas: Arte pobre, Land art, Arte conceptual, Anti-form, Process art, Earth works, Arte microemotivo, etc. Entre las primeras manifestaciones del Land Art, figuran la celebrada en la Dwan Gallery de Nueva York, en 1968, con el título de "Earth Works", y al año siguiente, la presentada en el White Museum de Ithaca, como "Earth Art". Con la exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en octubre de 1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte conceptual en su tendencia analítica, lírica y desmaterializada, a la que siguió "Op Losse Schereeven", en el Stedelijk Museum of Amsterdam, con la que se produjo el reconocimiento museístico y europeo del Arte Conceptual, el Land Art, el Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la exposición celebrada en el Museo Cívico de Turín, en 1970, denominada "Conceptual art/ Arte Povera/ Land Art", se llega a la consagración oficial de los nuevos comportamientos artísticos.
La crisis del objeto artístico
Museos
Fundación- Chirivella Soriano
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) (España)
Museo Nacional Benjamín Vicuña Mackenna (Chile)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España)
Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (Costa Rica)
Museo Tamayo Arte Contemporáneo (México)
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español (Valladolid, España)
MARCO Museo de Arte Contemporaneo (Monterrey Nuevo León; Mexico)
MAC Museo de arte contemporaneo (Santiago, Chile)
Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRo) ( Rosario, Argentina)
[[[Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca]] (Bahía Blanca, Buenos Aires (Argentina), Argentina)]http://mbamac.bahiablanca.gov.ar/
Centros de Arte Contemporáneo
Contrariamente a los museos, su objetivo no es la conservación ni la constitución de un patrimonio. Es decir su función no es coleccionar. Ellos realizan exposiciones o proyectos artísticos en función a su perfil editorial, teniendo como objetivo la difusión y la promoción del Arte contemporáneo.
Movimientos Artísticos
Expresionismo
Abstraccionismo
Cubismo
Surrealismo
Dadaismo
Futurismo
Vanguardismo
Artistas destacados
Picasso
Salvador Dalí
Wasili Kandinsky
Rene Magritte
Marcel Duchamp
Piet Mondrian
Erwin Wurm
Gabriel Orozco
Damien Hirst
Julian Schnabel
Rubén Grau
Tracey Emin
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